lunes, 30 de abril de 2012
Autorretrato en estudio
viernes, 20 de abril de 2012
Fotos de autores (parte 10)
Sergio Larraín Echeñique (Santiago, 1931 — Ovalle, 7 de febrero de 2012) fue un fotógrafo chileno.
Su padre fue el arquitecto Sergio Larraín García-Moreno, quien gozó de gran prestigio como autor modernista y fue fundador del Museo Chileno de Arte Precolombino. A los dieciocho años viajó a Estados Unidos con el fin de estudiar ingeniería forestal, pero no le gustó y decidió estudiar fotografía por lo que se trasladó a la Universidad de Míchigan.
Regresó a Chile en 1951 y realizó su primera exposición en Santiago en 1953. Gracias a Henri Cartier-Bresson, entró como miembro asociado en 1959 de la agencia Magnum y con pleno derecho a partir de 1961.
Su primer libro publicado fue El rectángulo en la mano en 1963, que acompañaba a una exposición que realizó en Santiago.[6] En 1966 colaboró con sus fotos en el libro de Pablo Neruda titulado Una casa en la arena. En 1968, con motivo de otra exposición en Lausana, publicó otro libro titulado Chile; sin embargo, su libro más importante fue Valparaíso, aparecido en 1991, mientras que su último libro, London, se publicó en 1998. En 1999 realizó una exposición en el Centro Julio González del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y se editó un catálogo retrospectivo de su obra.
La obra de Larraín se encuentra en diversos museos y colecciones, como el MOMA de Nueva York o el Castillo de agua Laganne en Toulouse.
A finales de los años sesenta se trasladó a Ovalle, donde fue abandonando poco a poco la fotografía y profundizando en el estudio de la cultura y mística orientales.
Sergio Larraín falleció en Ovalle el 7 de febrero de 2012
En esta foto la escogí por que refleja algo muy lindo, ya que uno puede apreciar que al estar todos los niños juntos y unidos en esta foto se refleja a la vez la infancia y el valor de la amistad
Su padre fue el arquitecto Sergio Larraín García-Moreno, quien gozó de gran prestigio como autor modernista y fue fundador del Museo Chileno de Arte Precolombino. A los dieciocho años viajó a Estados Unidos con el fin de estudiar ingeniería forestal, pero no le gustó y decidió estudiar fotografía por lo que se trasladó a la Universidad de Míchigan.
Regresó a Chile en 1951 y realizó su primera exposición en Santiago en 1953. Gracias a Henri Cartier-Bresson, entró como miembro asociado en 1959 de la agencia Magnum y con pleno derecho a partir de 1961.
Su primer libro publicado fue El rectángulo en la mano en 1963, que acompañaba a una exposición que realizó en Santiago.[6] En 1966 colaboró con sus fotos en el libro de Pablo Neruda titulado Una casa en la arena. En 1968, con motivo de otra exposición en Lausana, publicó otro libro titulado Chile; sin embargo, su libro más importante fue Valparaíso, aparecido en 1991, mientras que su último libro, London, se publicó en 1998. En 1999 realizó una exposición en el Centro Julio González del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) y se editó un catálogo retrospectivo de su obra.
La obra de Larraín se encuentra en diversos museos y colecciones, como el MOMA de Nueva York o el Castillo de agua Laganne en Toulouse.
A finales de los años sesenta se trasladó a Ovalle, donde fue abandonando poco a poco la fotografía y profundizando en el estudio de la cultura y mística orientales.
Sergio Larraín falleció en Ovalle el 7 de febrero de 2012
En esta foto la escogí por que refleja algo muy lindo, ya que uno puede apreciar que al estar todos los niños juntos y unidos en esta foto se refleja a la vez la infancia y el valor de la amistad
Fotos de autores (parte 9)
Diane Arbus (Nueva York, 14 de marzo de 1923 - Greenwich, Nueva York, 26 de julio de 1971) fue una fotógrafa estadounidense.Diane Nemerov nace en el seno de una adinerada familia judía de Nueva York. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años.
En los años cuarenta, el matrimonio se dedica a la fotografía de modas en revistas como Esquire, Vogue y Harper’s Bazaar. De 1955 a 1957, Diane Arbus toma clases con la fotógrafa austríaca Lisette Model, quien ejerce una gran influencia. En esa época, también, se divorcia de Allan.
La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. En 1967 realiza la exposición «New Documents», que la da a conocer al público mayoritario. Continúa trabajando para revistas importantes retratando a celebridades como Norman Mailer, Mae West y Jorge Luis Borges.
En 1971, después de una larga depresión, Diane Arbus se suicida. Un año más tarde su trabajo es seleccionado para participar en la Bienal de Venecia, siendo la primera fotógrafa estadounidense en ser seleccionada, y el MoMA de Nueva York organiza su primera gran retrospectiva.
Influenciada por Model y la película Freaks (La parada de los monstruos o Fenómenos, en castellano) de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza".
Fue pionera del flash de relleno (flash de día).
La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.
Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados.
Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.
Esta foto me pareció muy interesante ya que puede reflejarse perfectamente el tema del amor, por que lo representa en su variante sentimental y física a la vez
Fotos de autores (parte 8)
Julia Margaret Cameron ( 11 de junio de 1815 - 26 de enero de 1879 ) fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.
Esta foto la elegí por el hecho que refleja perfectamente a la niñez, ya que con el angulo de plano y la mirada de la niña en la foto, se hace un contraste entre melancolía, inocencia y ternura
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.
Esta foto la elegí por el hecho que refleja perfectamente a la niñez, ya que con el angulo de plano y la mirada de la niña en la foto, se hace un contraste entre melancolía, inocencia y ternura
fotos de autores (parte 7)
Brassaï, seudónimo de Gyula Halász (1899 - 1984), fue un fotógrafo húngaro conocido por sus trabajos sobre París, ciudad donde desarrolló su carrera.
Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Universidad de las Artes de Berlín.
En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.
El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.
En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía francés.
Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Èze (Alpes-Maritimes), al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.
En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.
La razón por la cual escogí esta foto es que refleja un aire misterioso, siniestro e intrigante, lo que lo vuelve muy atrayente y llamativo al publico
Gyula Halász nació el 9 de septiembre de 1899 en Brassó, entonces parte de Hungría, hoy perteneciente a Rumania. A los tres años su familia se trasladó a París durante un año mientras su padre, profesor de literatura, enseñaba en la universidad de La Sorbona. De joven, Gyula Halász estudió pintura y escultura en la Academia de Bellas Artes de Budapest antes de alistarse en el regimiento de caballería de la armada austrohúngara hasta el final de la Primera Guerra Mundial. En 1920 Halász se estableció en Berlín donde trabajó como periodista y estudió en la Universidad de las Artes de Berlín.
En 1924 se trasladó a París donde vivió por el resto de su vida. Empezó a aprender francés leyendo la obra de Marcel Proust y, viviendo entre los numerosos artistas del barrio de Montparnasse, empezó a trabajar como periodista. Pronto estableció amistad con Henry Miller, Léon-Paul Fargue y el poeta Jacques Prévert.
El trabajo de Gyula Halász y su amor por la ciudad, cuyas calles recorría asiduamente de noche, le llevó a la fotografía. Más tarde escribiría que la fotografía le permitía atrapar la noche de París y la belleza de las calles y jardines, bajo la lluvia y la niebla. Usando el nombre de su lugar de nacimiento, Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de "Brassaï", que significa "de Brassó". Brassaï capturó la esencia de la ciudad en sus fotografías, publicando su primer libro fotográfico en 1933. Sus esfuerzos tuvieron gran éxito, siendo llamado "El ojo de París" en un ensayo por su amigo Henry Miller. Además de fotos del lado sórdido de París, también produjo escenas de la vida social de la ciudad, sus intelectuales, su ballet y grandes óperas. Fotografió a muchos de sus amigos artistas, incluidos Salvador Dalí, Pablo Picasso, Henri Matisse, Alberto Giacometti y a muchos de los prominentes escritores de la época como Jean Genet y Henri Michaux.
En 1956, su película Tant qu'il aura des bêtes ganó el premio a la película más original en el Festival de Cannes y el 1978 ganó el Gran Premio Nacional de la Fotografía francés.
Considerado por muchos como uno de los grandes fotógrafos del siglo XX, Gyula Halász murió el 8 de julio de 1984 en Èze (Alpes-Maritimes), al sur de Francia y fue enterrado en el cementerio de Montparnasse de París.
En 2000, una exposición de 450 de sus obras fue organizada con la ayuda de su viuda, Gilberte, en el centro Georges Pompidou de París.
La razón por la cual escogí esta foto es que refleja un aire misterioso, siniestro e intrigante, lo que lo vuelve muy atrayente y llamativo al publico
Fotos de autores (parte 6)
Man Ray empieza a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia, donde va a la escuela. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.
En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.
En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.
En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
Diez años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.
Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía.
Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.
Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.
Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).
En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos.
Tumba de Man Ray.Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927).
En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.
En 1946 se casa con Juliette Browner en una doble boda junto con la pareja Max Ernst - Dorothea Tanning.[1]
La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.
Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte", dirá.
En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).
Muere el 18 de noviembre de 1976, en París. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.
La razón por la cual escogí esta foto es que con un encuadre tan simple y con tan pocos elementos, puede expresar perfectamente un sentimiento como la tristeza, lo que demustras que no es necesario la sobresaturación de elementos para lograr un efecto así
En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.
En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poeta belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el Dadá neoyorquino.
En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
Diez años después se instala en París hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino.
Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía.
Sus primeras obras experimentales son los Rayographs de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.
Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.
Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to dead be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).
En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayógrafos.
Tumba de Man Ray.Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927).
En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1940, escapando de la ocupación nazi de París, se instala en Hollywood y en Nueva York, regresando a Francia en el año 1951. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor.
En 1946 se casa con Juliette Browner en una doble boda junto con la pareja Max Ernst - Dorothea Tanning.[1]
La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda.
Como pionero de Dadá y Surrealismo su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. "La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte", dirá.
En 1963 publica su Autobiografía; antes de morir, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica (1973).
Muere el 18 de noviembre de 1976, en París. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.
La razón por la cual escogí esta foto es que con un encuadre tan simple y con tan pocos elementos, puede expresar perfectamente un sentimiento como la tristeza, lo que demustras que no es necesario la sobresaturación de elementos para lograr un efecto así
Berenice Abbott (17 de julio de 1898, Springfield, Ohio - 9 de diciembre de 1991, Monson, Maine) fue una fotógrafa estadounidense.
Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva York, París y Berlín. En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget. En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas.
Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el the Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939.
En 1935 Berenice se trasladó a un loft en el Greenwich Village con la crítica de arte Elizabeth McCausland con quien vivió hasta la muerte de McCausland en 1965. McCausland fue un gran apoyo en su carrera, escribiendo artículos en diversas publicaciones sobre la obra de Berenice o incluso creando el título para la obra de 1939 Changing New York.
La razón por la cual escogí esta foto fue que refleja la sociedad moderna y la vida urbana, ya que toma lugar en una locación que perfectamente puede tomar lugar en cualquier ciudad del mundo, haciendo que uno fácilmente se identifique con la foto sin importar el lugar
Dejó su tierra natal en 1918 para estudiar en las ciudades de Nueva York, París y Berlín. En París se volvió asistente de Man Ray y Eugéne Atget. En 1925 instaló su propio estudio e hizo retratos de expatriados parisinos, artistas, escritores y coleccionistas.
Rescató y catalogó estampas y negativos de Atget después de su muerte. En los años 1930, fotografió los barrios de Nueva York para el the Proyecto Artístico Federal de la WPA, documentando su arquitectura cambiante y siendo publicadas muchas de esas fotografías en Changing New York en 1939.
En 1935 Berenice se trasladó a un loft en el Greenwich Village con la crítica de arte Elizabeth McCausland con quien vivió hasta la muerte de McCausland en 1965. McCausland fue un gran apoyo en su carrera, escribiendo artículos en diversas publicaciones sobre la obra de Berenice o incluso creando el título para la obra de 1939 Changing New York.
La razón por la cual escogí esta foto fue que refleja la sociedad moderna y la vida urbana, ya que toma lugar en una locación que perfectamente puede tomar lugar en cualquier ciudad del mundo, haciendo que uno fácilmente se identifique con la foto sin importar el lugar
Fotos de autores (parte 4)
Henri Cartier-Bresson (22 de agosto de 1908 – 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.
Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.
Fue cofundador de la agencia Magnum.
Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse.
En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.
Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».
En el año 1982 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
La razón por la cual escogí esta foto fue que tiene un aire así como familiar y muy rural, dando una sensación de tranquilidad y serenidad al mírala
A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto "Che" Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.
Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.
Fue cofundador de la agencia Magnum.
Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse.
En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.
Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».
En el año 1982 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.
La razón por la cual escogí esta foto fue que tiene un aire así como familiar y muy rural, dando una sensación de tranquilidad y serenidad al mírala
Fotografias de autores (parte 3)
Bill Brandt (3 de mayo de 1904 - 20 de diciembre de 1983) fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes. También realizó fotografías como periodista gráfico.
Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino.
Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938, ese mismo año publica el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos.
La razón por la que escogí esta foto es que da un aire de melancolía y tristeza, como si estuviera intentando enfatizar la fragilidad e inocencia femenina
Al comenzar su trabajo como ayudante del fotógrafo en París quedó muy impresionado por el movimiento surrealista. Tras realizar un viaje con su esposa Eva se instaló en 1931 en Londres, allí comenzó a realizar un trabajo documental sobre las diferencias sociales en la sociedad británica y los contrastes que producían; así como los problemas del paro en la minería. En estas fotos se nota la influencia de Man Ray, André Kertész, Eugène Atget y en las fotos nocturnas de Londres de su amigo Brassaï y su trabajo parisino.
Estos trabajos se publicaron en varios libros: The English at Home en 1936 y A Night in London en 1938, ese mismo año publica el libro A Camera in London que recoge varios de sus planteamientos fotográficos.
La razón por la que escogí esta foto es que da un aire de melancolía y tristeza, como si estuviera intentando enfatizar la fragilidad e inocencia femenina
Fotografia de autores (parte 2)
Cecil Walter Hardy Beaton (n. Londres; 14 de enero de 1904 - f. Salisbury; 18 de enero de 1980) fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico.
Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964.
Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964.
El motivo por el cual escogí esta foto fue perfectamente captura la belleza de esta actriz tan famosa, además de un valor agregado que mezcla sensualidad e inocencia.
Trabajo "FOTOGRAFIA de AUTOR" (1º Parte)
Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902 - 22 de abril de 1984) fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del sistema de zonas.
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.
Bueno, la razón por la cual escogí esta foto fue que refleja un aire místico y misterioso, debido al uso de las cruces, así como la apariencia abandonada y desolada del fondo, lo que lo hace recordar a San Pedro de Atacama.
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.
Su sistema de zonas es una demostración de cómo la cámara o el fotómetro (o exposímetro) de la misma mide el gris medio de 18% de reflectancia como zona media. El fotógrafo debe aumentar la exposición (o disminuirla) dependiendo de cuántos pasos de gris quiera fijar como punto de medición. El fotómetro de cualquier cámara, incluso digital, siempre "quiere" ver la zona medida como un gris medio.
Bueno, la razón por la cual escogí esta foto fue que refleja un aire místico y misterioso, debido al uso de las cruces, así como la apariencia abandonada y desolada del fondo, lo que lo hace recordar a San Pedro de Atacama.
Cecil Walter Hardy Beaton (n. Londres; 14 de enero de 1904 - f. Salisbury; 18 de enero de 1980) fue un diseñador de vestuario y fotógrafo británico.
Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964.
Tuvo su primera cámara fotográfica a la edad de 11 años, haciendo sus pininos al sacar retratos de sus hermanas. En los años 1920 se convirtió en el fotógrafo oficial de las revistas Vanity Fair y Vogue. Es recordado por sus fotografías de la Segunda Guerra Mundial tomadas en Gran Bretaña y que fueron publicadas en 1942 al otro lado del Atlántico. Después de la guerra diseñó trajes y bastidores para películas como Gigi de 1958 y My Fair Lady de 1964.
miércoles, 18 de abril de 2012
Foto Nº 1: Retrato Familiar- Descripción de la escena: En esta foto se puede apreciar a un pequeño niño regordete sentado en el regazo de su madre, la cual también es regordeta. Se puede apreciar una expresión de felicidad y ternura en sus rostros. El niño esta mirando hacia la cámara, mientras que al madre mira hacia el niño. Detrás de ellos hay una cortina que presuntamente podría pertenecer al living de la casa.
- Análisis Formal: Como ambos son regordetes, existe un predominio de formas circulares y elípticas. También hay una tendencia de abundancia a los colores fríos, como el blanco, el azul y el celeste. También se puede apreciar una textura “lanosa” en la vestimenta de ambas personas. También hay muy poco contraste en el color y el brillo, pero se debe mayormente al deterioro mismo de la foto
- Interpretación: Al ver esta foto, se puede sentir un aire como de ternura y calidez, que representa la inocencia de nuestra infancia y también nuestros lazos familiares, que sin importar los años, siempre serán importantes para nosotros
- Evaluación: El propósito de esta foto, a mi parecer, es entregar un mensaje: de que sin importar que problema tengamos, nuestra familia siempre estará con nosotros ayudándonos y apoyándonos. Es cierto modo, cumple ese cometido, lo que hace ha esta foto a la vez adorable y atrayente
- Percepción personal: En mi opinión, yo creo que esta foto representa uno de los momentos mas tiernos de mi infancia y refleja que, sin importar que problema tenga, mi familia siempre me va a apoyar pase lo que pase.
Autorretrato autobiografico
Hola, Mi nombre es Andres Ignacio Poo Parra, tengo 22 años y estudio Diseño en la Utem.
Mis primeros años de mi vida han sido muy dificiles, que van desde la perdida de mi madre
biologica a los 5 meses hasta mis horribles años en la enseñanza basica, los cuales eran un verdadero infierno. Por suerte, todo eso cambio cuando entre a la media, ya que las cosas
Mis primeros años de mi vida han sido muy dificiles, que van desde la perdida de mi madre
biologica a los 5 meses hasta mis horribles años en la enseñanza basica, los cuales eran un verdadero infierno. Por suerte, todo eso cambio cuando entre a la media, ya que las cosas
mejoraron bastante. Pero cuando llegue a la Utem, se abrió una nueva pagina en mi vida, ya
que ahi pude explotar mi potencial como dibujante, ya que, como ustedes ya saben, dibujar
es mi gran pasion. Por eso es que escogi esta carrera, para estudiar lo que me gusta.
Bueno, y eso es todo.
Se despide, Andres Poo Parra
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